優美に覆われた
都会的なデザイン
流れる柔らかい自然な襞（ひだ）
ドレープの中の空間
グラマラスとアンダーグラウンドの非対称な組み合わせ
ミニマルな色彩
ベールのような不安

　ジョリヴェと時期を同じくして、コンセルヴァトワール（パリ国立高等音楽院）に入学し卒業したという事実を時々思い出しては懐かしんでいる。ただし、向こうは教師で、こちらは学生(1966～1971)の身分であったが。私はすでに日本で作曲家としての教育を受けており、ジョリヴェ門下のクラスメートとの比較で言うと、これぞクラシックといった曲を書いていたものだ。
　教師としてのジョリヴェは、具象に関して、器楽の実態に関して、また器楽奏者の心理に関して、そのベースとなる感性を有していた。ジョリヴェはより具体的で、メシアンはより学問的に厳密であったと言ってよいだろう。コンセルヴァトワールを卒業後、私はジョリヴェに会いに自宅へ通い続けた。彼はユーモアを好み、常にとてもストレートに自分の考えを述べていた。
　私がイエロフォニー第5を仕上げようとしていた時のことである。ジョリヴェのクラスで1969年からこの5部作からなる作品に取り掛かっていたのだが、その完成時に立ち会えて彼は大喜びの様子であった。日本で伝統音楽のみならず新世代の作曲家にも触れる機会を得た彼は帰国後、「平は日本の伝統音楽を模倣せず、心の底から何かを感じている。」と語った。
　私は思考がジョリヴェにとても似通っていると感じるとともに、彼の内にあって言葉のインスピレーションを生み出す霊的な神秘主義に近いと感じていた。彼の「5つの祭礼舞曲」のような初期の作品だけでなく、「チェロ協奏曲第1番」の中にも、第一級の手法でそれが織り込まれている。
　私は、彼のオーケストレーションの技量と同じくらい、瞑想的で幻想的な彼の性格に魅了されていた。もっともジョリヴェは私に「ムッシュー瞑想さん」とのあだ名を付けていたのだが。それは、私が作品の中で「瞑想的に」「とても瞑想的に」「思い耽って」と何度も指示しているからであり、彼自身チェロ協奏曲第1番の楽章のタイトルに、瞑想的に－厳かに－簡潔にとの表現で指示していたのである。
　私の作品タイトルのイエロフォニーは神聖を意味するイエロと声を意味するフォノスからなっており、私の成長の転換点にすぐさま気づいたジョリヴェにその由来がある。「とうとうやったぞ！ 平が自分の道を見つけた。」との言葉に。
　学生たちの話では、現代音楽の祭典であるロワイアン・フェスティバルへの曲を私に依頼するよう、作曲家ジルベール・アミが音楽評論家クロード・サミュエルに即座に約束させたとのことである。それはリゲティ、シュトックハウゼン、ブーレーズの時代であり、ジョリヴェが距離を置いていた音楽領域の時代であった。私は知性主義を否定はしないが、ダルムシュタット後の音楽を支えるために知性主義が音楽の先を行っていたと言える。私自身の音楽は、ジョリヴェが「礼拝堂」の音楽と呼んだものに比べれば、とても新鮮に見えたに違いない。この小さな礼拝堂よりも彼は一般大衆の方を好んでいたのだ。
　今日、私はアンドレ・ジョリヴェが私自身の中に発見させてくれた道を歩み続けている。もし彼が今生きていたなら、私が作る音楽を愛してくれると確信している。
（『アンドレ・ジョリヴェ:肖像』Actes Sud 出版、1994年刊、146-148頁より抜粋)
（訳：加藤芳孝）

　女性の膣を模った「オナホール」は、男性の性対象として作り上げられたミニマムな女性器の具現化である。
　“優れた「機能」を持つ性器”は「商品」として、大量に生産され、消費される。店頭に陳列されたパッケージには、性欲を刺激する卑語や女性器の断面図、美少女キャラクターが描かれ、過剰にカラフルでポップに装飾される。
　性的対象のために作り上げられた、実際には存在し得ない人工の「内臓」。この作品が表すのは、その気持ち悪さと違和感である。
　音楽は長音階、それが交差するだけの、極めてミニマムな構造であり、楽譜は全て八分音符で書かれている。二つのセクションがあり、一つ目のセクションでは、過剰で均一なヴィブラート、二つ目のセクションでは、重音以外すべての音符に掛かったトリルとサーキュラーボーイングで演奏される。

あなたは今、とある部屋に入ってきました。白い壁に囲まれたこの空間の、端の方にただひとつ物体がちょこんと在りました。白い物体で、人の顔かそれより少し大きいくらいです。そしてこの物体はあなたが部屋に入る前から動いているようで、見ている今もずっと動いています。うねうねと動いています。見たところはどうも無機的で石膏像のように白くてなめらかな質感をしています。機械的な動きではなく、しかし淡々と動いています。時々胴体の様々な箇所から出ては引っ込むような動きもしています。もくもく端正に動いています。しばらく観察して、あなたはこの動くオブジェを残して部屋を出ました。

　私は作曲のアプローチとして、おもに2つの視点を大事にする。せっかく上野の森美術館で初演されるので、絵画形式に例える。肖像画と風景画の二通りの視点だ。
　肖像画的視点とは、たとえば「成田さんが無伴奏ヴァイオリンのための拙作を上野の森美術館で演奏する肖像」を私が描くとしたら…という視点である。そこから「成田さん」「無伴奏ヴァイオリン」「拙作（つまり自画像）」など幾つかのキーワードを抜き出し、掘り下げていく。ちなみに作曲当時「上野の森美術館で」ということは決まっていなかったので、これだけは曲に反映されていない。
　それで、もっとも重要視した点は「成田さん」という存在である。
　題名の「可変双魚室」も彼の星座に因んだもの。また、彼が Twitter や Youtube で語った言葉やエピソード、使用している楽器の愛称までも発想のきっかけとしている。くわしくは後述の由来・引用リストを参照していただきたい。
　一方で風景画的視点が何を意味するかというと、より社会的なことをあらわしている。いまだ出口の見えないコロナ禍による不安には、当然ながら大きく影響を受けた。曲全体が切迫した雰囲気をおびたように思える。また「可変双魚室」の英題は「Variant Pisces House」だが、「可変」を「Variant」としたのは、楽曲がウイルスのようにどんどん変異することを暗喩したものだ。
　それから、肖像画や風景画という書き方をすると、写実的で自分の内面が反映されてないように思われるかもしれないが、全然反対である。あくまでも私から見た写実なので、小説でいえばむしろ私小説的といえる。
　それに写実的といっても、楽想の呼び水でしかない。引用を除き、楽想自体は抽象的な動きに重点を置いた。いつも作品の外部と内部の視点が上手くバランスすることを心がけている。作品は、きわめて個人的であると同時に、総合的であるべきだと思うからだ。
　それでは、以下に由来・引用リストを書き添える。
【題名に関して】
・「双魚室」→成田さんが星座に関心を持っていることに因む。双魚は彼の星座である双魚宮（＝魚座）から。また室（英題 House）は占星術で星座を分類する概念。双魚室というのは造語。
・「可変」→上述の理由に加えて、Youtube において成田さんが Bach のシャコンヌを演奏することを「これから私は何回も生まれ変わるという感じ」と発言したことに関係する。また、双魚宮の神話ではアフロディーテとエロスが怪物テュポーンに驚いて魚に変身するため。英題の Variant はアフロディーテのローマ神話での呼び名であるヴィーナスの頭文字Ｖとも関連させた。作品全体に頭文字Ｖが散りばめられている。この手法自体もトマス・ピンチョンの小説『V.』の引用。そのためエロスのローマ名キューピッド（Cupid）の頭文字ＣよりもＶに偏った。
【由来・引用】
・マスネ「タイスの瞑想曲」→成田さんが高校時代の通学中、地元のバスで運転手さんにタイスの瞑想曲を演奏していたエピソードから（2020年12月の Tweet）。また、タイスがヴィーナス信者であることにもまつわる。
・タルティーニ「悪魔のトリル」→使用する楽器の愛称タルティーニより。
・グレゴリオ聖歌「怒りの日」→成田さんがエリザベート王妃国際音楽コンクールでウジェーヌ・イザイ賞を受賞したため。イザイの無伴奏ヴァイオリン・ソナタ第2番で「怒りの日」が使われているから。
・ワーグナー《タンホイザー》→「タンホイザー」にヴェヌス（ヴィーナス）が登場するから。当初の題が「ヴェーヌスベルク」（ドイツ語でヴィーナス山）だったほど関連が深い。
・ハイドン「交響曲第88番 《Ｖ字》」→Ｖだからというこじつけ。なのだが、トマス・ピンチョンの小説『V.』→陰謀論的ポストモダン小説でネオナチが好む→ネオナチは88（アルファベットの8番目Ｈなので、ＨＨすなわちハイル・ヒトラーをあらわす）という数字を好む、という連想から、社会の暗黒面を象徴している。ちなみにタイスでもタンホイザーでもヴィーナスは堕落の象徴。悪魔のトリルから悪魔も飛び回っているし、妖しさを強調する側面もある。
・ヴェールの使用→ヴェール（Veil）も頭文字Ｖ。ヴェールは古今東西で魔除を意味する事が多い。ヴェールをとることでパンドラの箱が開くようなイメージ。
・カズーの使用→トマス・ピンチョンの『V.』よりさらに陰謀論めいた小説『競売ナンバー49の叫び』に登場するヴィヴァルディ「カズー協奏曲」から。もちろん実在しない曲。
・開放弦Ａ線、Ｅ線の多用→アフロディーテ（Aphrodite）の頭文字Ａとエロス（Eros）の頭文字Ｅより。
・バッハ　教会カンタータ「時は日と年を作り」 BWV134a →ちょっとした自画像。この曲は34歳になる年に作ったので、バッハがほぼ同い歳のときに作曲したカンタータを引用。BWV の下二桁も34なので。
　以上ご参考までに。
　ところで今回の演目を眺めてみると、拙作以外では和洋近現代の名曲に加え、期待の若手作曲家お二人の初演まで予定されている。そんな中で拙作がトリに演奏されることは、有り難いながらも些か気後れする。だから私としては、成田さんが拙作を演奏することが、まるでカミオカンデがニュートリノを偶然発見したように、私以外にとっても良きものになることを、切に望むばかりです。